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¿Un fotógrafo puede ser videojockey?

09.11.2015.
Entrevistamos a Carles Roche, fotógrafo y director del Curso/Postgrado de Fotografía de Idep Barcelona. Forma parte del proyecto audiovisual Cadena Trófica y es el responsable de llenar la pantalla de imágenes en los conciertos. Quisimos saber más sobre sus visuales y decidimos hacerle esta entrevista.

El pasado sábado 24 de octubre en la Sala Tete Montoliu de l’Auditori de Barcelona, tuvo lugar un concierto de jazz inspirado en algunas ideas de la Escuela Bauhaus de la mano de un trío formado por Joan Díaz, David Mengual y Oriol Roca. Un espectáculo audiovisual que se llenó de imágenes gracias a las visuales de Carles Roche, docente de Idep Fotografía y director del Curso/Postgrado de Fotografía de la escuela. El proyecto se llama Cadena Trófica y acaban de publicar un CD. Este concierto tuvo lugar dentro del marco del 47 Voll Damm Festival Internacional de Jazz 2015 y el proyecto Cadena Trófica se mostrará también en Valencia el 24 de noviembre.

¿Qué tipo de imágenes acompañaban el concierto?

El eje del espectáculo es el concepto propio de la Bauhaus, de la interpenetración salvaje e inmoderada entre las artes. Gropius quería (que Dios le bendiga) fundir la fiesta, el trabajo y el juego en una sola cosa: y eso es lo que con Cadena trófica hemos buscado desde el principio. Quisimos evitar, eso sí, la cita literal: en ningún momento usamos imágenes de la Bauhaus en nuestro espectáculo. Buscábamos más bien rescatar, a nuestra humilde manera, un estado de espíritu y no hacer una cita cultista o reciclar las maravillas de la época ya conocidas por todos. Queríamos partir de algo nuestro. De este modo, el espectáculo se basa en la combinación de vídeos de producción propia con imágenes de archivo (básicamente, noticiarios de cine mudo). Lo de las imágenes de archivo es delicado: son extremadamente fáciles de obtener hoy día en toda la red y, por lo tanto, hay que ser muy selectivo y riguroso para no “llenar” de información inútil la pantalla, sobresaturándolo todo “porque hace bonito”. De hecho, hoy en día (y esto es muy distinto de cómo planteábamos este tipo de cosas hace poco más de una década), el verdadero trabajo está en filtrar, filtrar y filtrar, para quedarse sólo con lo verdaderamente imprescindible para contar la historia que uno quiere contar.

Para mí en todo el espectáculo hay dos o tres imágenes esenciales: todo lo demás es secundario. Una fue la imagen generativa del proyecto: una foto de un filamento de bombilla brillando en la oscuridad. Es tan abstracta que a todo el mundo le parece un espermatozoide abriéndose paso hacia un óvulo invisible. Me hizo gracia la idea, porque la palabra “jazz”, en su origen, era un término de argot que significaba varias cosas sucias, entre ellas “semen”. De ahí que empiece y cierre el espectáculo con esa imagen: es como devolver el jazz a sus orígenes…

¿Has hecho más sesiones de visuales con esta banda?

Llevo muchos años colaborando de una forma u otra con algunos de los músicos que la componen, pero este proyecto es totalmente nuevo, y el concepto nació de los tres músicos que lo integran: Joan Díaz, David Mengual y Oriol Roca. El espectáculo tuvo un “preestreno” en el Mercat de Música Viva de Vic. Luego vino el concierto en el Festival de Jazz de Barcelona, y a finales de noviembre lo presentaremos en el Festival de Jazz de Valencia. En el pasado, eso sí, había colaborado con algunos de los miembros en sus respectivos grupos haciendo visuales en espectáculos con poca improvisación: más bien eran proyecciones muy calculadas desde el primer minuto hasta el último. Uno fue Deriva, de David Mengual, basado en el concepto situacionista de la deriva que, tal como la define Guy Debord, consiste en ir pasando ininterrumpidamente a través de ambientes diversos, o diferentes medios: de la fotografía a la poesía, de ahí a la música, de la música otra vez a la fotografía… Yo hacía una foto, el poeta David Castillo escribía un poema sobre esa foto, Mengual componía un tema basándose en esa foto y ese poema, y así sucesivamente… Luego también participé en Dalirògena, espectáculo del pianista y compositor Joan Díaz basado en la figura de Salvador Dalí y en el que, en colaboración con Núria Bou, conectábamos el imaginario de sus cuadros con imágenes esenciales de la historia del cine… Ahí fue cuando tomé conciencia de algo muy obvio: hasta qué punto era importante que, en estas proyecciones-espectáculo, el movimiento dialogara de manera eficaz con las imágenes estáticas.

¿Fotografía o vídeo?

Como te decía, es importante combinar el movimiento y lo estático. Yo soy sobre todo fotógrafo, por lo que para mí lo natural es partir de la imagen fija. Pero sé bien que, en un concierto, a la imagen fija le cuesta un poco adaptarse al flujo musical. Aquí todos los implicados teníamos claro desde el principio que las imágenes tenían que ser en movimiento. De ahí que decidiéramos experimentar con una fórmula que hasta cierto punto une ambas cosas: el stop motion. Creando secuencias en movimiento a partir de imágenes fijas conseguimos no traicionar demasiado a ninguno de los dos mundos, o al menos eso espero. El problema fue adaptar el ritmo un poco espasmódico del stop motion al flujo continuo de la música; en algunos casos tuve que renunciar a esta técnica y sustituirla por tomas de vídeo más convencional.

¿Selección propia o previamente acordada con la banda?

El proyecto, tal y como lo plantearon sus impulsores, Joan, David y Oriol, parte de la inspiración que ofrecen las figuras geométricas: por ello, el espectáculo se divide en tres partes (Círculo, Triángulo, Línea Recta). A partir de ese origen tan estricto (y abstracto), yo tenía que encontrar la manera de “contar una historia”. Adoro la abstracción en fotografía, pero a pesar de todo no era cuestión de quedarse en puras manchas de color y luz… queríamos, pese a todo, contar historias (incluso cuando no hay voz ni letras de canciones, siempre hay una historia que contar detrás de la música). Por eso, más allá de mis habituales abstracciones, tomé referentes “figurativos” como los libros infantiles para aprender formas geométricas (la pelota es redonda, el tejado de la casa es cuadrado, etcétera). O su versión lúdico-intelectual en fotolibros como This equals that, de Jason Fulford y Tamara Shopsin. También me fijé en lo que hacen a veces Taiyo Onorato y Nico Krebs, aunque ojalá yo tuviera una décima parte de su talento y sentido del humor… Todo eso, cruzado con un lenguaje visual propio, un blanco y negro duro, como de cine negro o película de cine mudo… El reto, en todo caso, era unir todo ese material en un todo más o menos homogéneo. Debo decir, por otra parte, que la sintonía con los miembros del grupo es tal, nos conocemos desde hace tantos años, que más que consensuar los contenidos directamente con ellos muchas veces he abusado de su confianza dando por sentado que, ya sea por telepatía o en sueños, somos capaces de ponernos de acuerdo casi sin hablar.

¿Podríamos decir que hiciste una sesión de Vj o prefieres no llamarlo así?

Me parece perfecto que me llamen Vj, aunque los Vj no suelen tener tantas canas como yo… De todos modos, tengo más bien la sensación de estar construyendo “bandas visuales”, igual que un músico escribe “bandas sonoras” pero al revés. Aquí primero tenemos una música, previamente escrita y estructurada, y yo trabajo sobre esa música y voy construyendo, en los meses previos al concierto, el esqueleto de las imágenes, dejando siempre espacio para improvisar, ya que el jazz es improvisación: es fácil que lo que inicialmente era una balada termine siendo, en el escenario, un volcán incandescente de música. Hay que estar preparado para eso y poder adaptarse a la situación. Así que uno no puede cerrar demasiado el contenido de lo que va a proyectar en pantalla.

¿Crees que es otro campo a explorar para los estudiantes de Fotografía?

Desde luego que sí. Que sea o pueda llegar a ser una salida profesional en sí misma ya es otro cantar. En su momento, por ejemplo, los Djs llegaron a constituirse en algo parecido a una profesión: pero ellos tuvieron muchísima suerte, se encontraron con un entorno extremadamente favorable. Para un fotógrafo es distinto. Pero lo cierto es que, hoy en día, los espectáculos teatrales avanzados usan de manera masiva el audiovisual en apoyo de lo que sucede sobre el escenario. Lo que hace el canadiense Robert Lepage, que hace poco estuvo en Barcelona presentando su espectáculo 887, es un ejemplo absolutamente genial de eso. Lo que le pasa al estudiante de fotografía, en todo caso, es que tendrá que ponerse el disfraz de “artista multimedia” para poder entrar en ese mundillo. Pero es un mundo fascinante, sin duda. En la Bauhaus aspiraban a unir cosas tan distintas como el teatro, la conferencia, la poesía, la música, el baile de disfraces, en un todo que fuese una suerte de ceremonia festiva sin otros límites ni fronteras que los impuestos por la creatividad. Actualmente, el reto sigue vivo.

¡Buen trabajo Carles!

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